Las rachas de éxitos no pueden durar para siempre. Y si eres un artista de grabación exitoso con una larga carrera, inevitablemente llegará el momento en que los fanáticos y críticos se sientan decepcionados por un nuevo álbum. Esto puede deberse a que un gran experimento no tuvo el éxito esperado, los gustos cambiaron rápidamente y de repente te descartan como una reliquia del pasado, creaste algo tan audaz e innovador que su genialidad no será apreciada hasta dentro de algunos años, o simplemente lanzaste un fracaso debido a una combinación de agotamiento físico y creativo, el estrés insoportable de intentar superarte a ti mismo, y tal vez la influencia de ciertas sustancias químicas.

Para los artistas verdaderamente grandes, un álbum decepcionante puede ser solo un pequeño bache en el camino de una carrera larga y exitosa. Bob Dylan tiene muchos álbumes que uno podría considerar “decepcionantes”, pero no hicieron más que hacer que sus siguientes trabajos fueran aún más impresionantes e interesantes. Lo mismo podríamos decir de David Bowie, Madonna, Jay-Z, Stevie Wonder, los Rolling Stones y otros artistas con carreras que abarcan varias generaciones.

Hemos reunido una lista de los 50 álbumes más decepcionantes en la historia de la música. Se deben hacer algunos grandes matices antes de que varios ejércitos de fanáticos comiencen a planear bombardear nuestras oficinas o enviar equipos SWAT a nuestras casas. Amamos absolutamente algunos de estos álbumes. Un álbum puede ser visto como decepcionante en el momento en que salió, y luego ser revalorado para siempre. Esto tiene mucho que ver con el momento y con dónde está el consenso crítico en un momento dado. Y un álbum que se ve como un B+/A- sigue siendo decepcionante si sigue a varios álbumes A/A+.

Además, un álbum decepcionante para un acto de talento titánico como Radiohead o U2 sería considerado una obra maestra si casi cualquier otra persona lo hubiera lanzado. (Nos costó poner The King of Limbs y Songs of Innocence aquí, pero finalmente los incluimos). Para ver los otros 48 álbumes en la lista, sigue desplazándote. (Y si vas a enviar un equipo SWAT a nuestras casas por incluir a tu acto favorito aquí, ¿podrías al menos enviarlos durante el día? Es un fastidio cuando irrumpen en plena noche. Además, The King of Limbs es increíble. Mantén la calma, ejército de Radiohead).

50 Chance the Rapper, The Big Day 2019
Chance the Rapper aún era un estudiante de secundaria cuando lanzó su primer mixtape en 2011. Antes de que se diera cuenta, ya había acumulado más de medio millón de descargas, una aparición como invitado en una pista de Childish Gambino, y una reputación como el joven rapero más prometedor de la escena de Chicago. Su popularidad creció exponencialmente en los años siguientes mientras realizaba giras por todo el país y continuaba lanzando mixtapes aclamados como Acid Rap en 2013 y Coloring Book en 2016. Para 2017, ya era capaz de encabezar Lollapalooza frente a 100,000 fanáticos enloquecidos en el Grant Park de Chicago, aunque aún no había lanzado un solo álbum oficial. Ese momento finalmente llegó en junio de 2019, cuando publicó The Big Day, con apariciones de John Legend, Death Cab for Cutie, Megan Thee Stallion y Gucci Mane. Las canciones se centran en su romance con su nueva esposa Kristen Corley. Después de siete años de expectativa, muchos críticos se mostraron menos que impresionados. “Es exultante, como su opus de rap-gospel de 2016 Coloring Book“, escribió Danny Schwartz de Rolling Stone en una reseña de tres estrellas, “pero más limitado en su alcance emocional”. Ya han pasado más de cinco años desde The Big Day, y aún no ha lanzado su segundo disco. En su lugar, tomó la sabia decisión de volver a los sencillos individuales.

49 Radiohead, ‘The King of Limbs’ 2011
Bajen las antorchas. Tranquilos, todos. No estamos sugiriendo que The King of Limbs sea menos que un disco sensacional. Lo nombramos el quinto mejor álbum de 2011 al final de ese año, y lo mantenemos años después. Pero vino después de The Bends, OK Computer, Kid A, Amnesia, Hail to the Thief, e In Rainbows. Es una de las mejores carreras de 12 años en la historia del rock, tal vez incluso la mejor. Debido a eso, las expectativas para The King of Limbs eran altísimas. Y las canciones destacadas como “Lotus Flower”, “Separator” y “Bloom” realmente cumplieron, pero hay demasiados temas como “Feral” y “Morning Mr. Magpie” que decepcionan. En 2017, el productor Nigel Godrich nos contó cómo surgió el álbum. “Dije: ‘OK, hagamos un experimento de dos semanas donde todos tengan un tocadiscos en lugar de tocar la guitarra o la batería o lo que sea’,” dijo. “Y ese experimento de dos semanas terminó durando seis meses. Y ese es el disco, toda la historia.” Fue un movimiento audaz, pero simplemente no resultó como todos esperaban.

48 Wings, ‘Wild Life’ 1971
Imagina que eres fan de Paul McCartney en diciembre de 1971. En los últimos dos años, has recibido Abbey Road, Let It Be, McCartney y Ram. Todos son álbumes estelares, por decirlo suavemente, y salvajemente únicos. Escuchas que ha formado una nueva banda llamada Wings. Es su primer grupo desde los Beatles. Luego te diriges a la tienda de discos y compras Wild Life. “Decepción” ni siquiera comienza a describir la experiencia de la mayoría de los fanáticos en esa situación. Grabado en solo unos días en el verano de 1971, el álbum es una mezcla de originales a medio hacer (“Dear Friend”, “Tomorrow”), una versión innecesaria (“Love Is Strange”) y repeticiones de canciones (“Mumbo”, “Bip Bop”) que no funcionaron la primera vez, y menos la segunda. “McCartney está lidiando con su propia banalidad: la sobreproducción suena menos cargada esta vez, pero sigue siendo banal”, escribió Robert Christgau. “Y ni siquiera plumas de ganso. Tal vez la emoción de liderar su propia banda lo tenga distraído.” Wings no tardó en encontrar sus fortalezas y dar al mundo Band on the Run, pero comenzaron de manera extremadamente inestable con Wild Life.

47 LL Cool J, ‘Bigger and Deffer’ 1987
Cuando LL Cool J irrumpió en la escena en 1985 con su álbum debut, Radio, tenía a Rick Rubin detrás de la mesa de mezclas, casi no había raperos que pudieran competir con él, y canciones como “Rock the Bells”, “I Can’t Live Without My Radio” y “You’ll Rock” eran incandescentes. Cuando regresó en 1987 con Bigger and Deffer, Rubin estaba ausente, de repente se enfrentaba a Public Enemy y Eric B. y Rakim, y tenía pocas canciones destacadas aparte de “I’m Bad” y “I Need Love”. “Bigger and Deffer colapsa bajo la presión del segundo álbum”, escribió Mac Randall en la Guía de Álbumes de Rolling Stone. “Más ocupado y tonto podría ser más cercano a la verdad”. Las carreras de hip-hop eran dolorosamente cortas en esos primeros días, y por un breve momento parecía que LL Cool J podría unirse a Grandmaster Flash y Fat Boys en la banca, pero su historia apenas comenzaba.

46 Oasis, ‘Be Here Now’ 1997
Mirando hacia atrás, está claro que nada de lo que Oasis lanzó después de (What’s the Story) Morning Glory? iba a hacer otra cosa que decepcionar a las masas. La expectación alcanzó proporciones tan insanas en 1996 que la gente etiquetaba a la banda de britpop como los nuevos Beatles. Con millones de dólares, brutales peleas internas y montañas de cocaína, Be Here Now era inevitable. Las críticas iniciales fueron bastante positivas (como Roger Ebert dándole cuatro estrellas a Star Wars: The Phantom Menace), pero los sencillos no despegaron, las copias comenzaron a acumularse en las tiendas de discos de segunda mano, y creció la sensación de que esto no era una obra maestra. En verdad, “Stand by Me”, “D’You Know What I Mean?” y “All Around the World” son grandes canciones, pero hay demasiada hinchazón. La mayoría de las canciones son simplemente demasiado largas, y fácilmente podrían haber cortado cinco o seis de ellas. Mientras tanto, Radiohead lanzó un nuevo álbum llamado OK Computer ese mismo verano. La antorcha había sido pasada.

45 George Michael, ‘Listen Without Prejudice Vol. 1’ 1990
Como sugiere el título del álbum, George Michael tenía cierto resentimiento cuando lanzó su continuación de Faith. Había sido un ídolo adolescente durante casi una década en este punto, y anhelaba ser tomado en serio como artista adulto. No quería pasar el resto de su vida cantando “Monkey”. (De hecho, nunca la volvió a cantar después de 1989). Para dejar esto claro, el video de “Freedom! ’90” muestra su chaqueta de cuero, una rockola y la guitarra acústica de la era Faith explotando en una bola de fuego. El sencillo principal, “Praying for Time”, alcanzó el número uno por inercia, pero rápidamente cayó de las listas. “Freedom! ’90” fue la única otra canción del álbum que tuvo impacto. Antes de que la comunidad de fanáticos de George Michael se vuelva loca, aclaremos que Listen Without Prejudice Vol. 1 no es un mal disco. Simplemente no era el que la mayoría de sus fanáticos querían en ese momento. Por eso Faith vendió 17 millones más de copias, y por eso Listen Without Prejudice Vol. 2 nunca sucedió.

44 Aerosmith, Draw the Line 1977
Aerosmith no eran exactamente usuarios casuales de drogas en sus primeros días, pero la música seguía siendo lo primero cuando crearon sus primeros cuatro álbumes. Eso cambió en 1977 cuando comenzaron a trabajar en Draw the Line. “Todos estábamos drogados hasta los dientes”, dijo el cantante Steven Tyler en el episodio de la banda de Behind the Music. “Estábamos tan colocados como se podía estar. Eran verdaderamente días llenos de noches. Solo era cuestión de tiempo antes de que nos matáramos todos”. De alguna manera, lograron crear dos canciones sólidas para Draw the Line —la canción que da título al álbum y “Kings and Queens”—, pero el resto son desastres alimentados por la cocaína. “Draw the Line es un disco verdaderamente horrendo, caótico hasta el punto de la disfunción, y con un sonido casi impenetrablemente denso que agrega confusión”, escribió Billy Altman de Rolling Stone en una crítica brutalmente negativa del álbum. “Muestra que estos tipos no son estafadores malvados vendiendo productos robados o sobrantes a la juventud de la nación. Si lo fueran, este disco habría sido mucho mejor de lo que es, ya que casi cualquiera puede repetir una fórmula. En cambio, Aerosmith suena como una banda que acaba de empezar, de hecho, como aficionados”. (Para que conste, esto es extremadamente duro, y Aerosmith lanzaría discos mucho peores en los años venideros. Esta es solo la primera vez que fue una sorpresa genuina que no fueran brillantes).

43 Kanye West, The Life of Pablo 2016
Puede que ahora sea un poco difícil de recordar, pero hubo un tiempo antes de que destruyera su nombre con comentarios antisemitas cuando un nuevo disco de Kanye West era una fuente de tremenda emoción. Su trayectoria desde The College Dropout en 2004 hasta Yeezus en 2013 representa el punto más alto del hip-hop en este siglo. Y aunque Yeezus fue un paso atrás desde el pináculo de My Beautiful Dark Twisted Fantasy, ningún álbum de West se podría llamar una decepción genuina hasta The Life of Pablo de 2016. Puntos altos como “Ultralight Beam” y “Father Stretch My Hands” están entre sus mejores trabajos, y “Real Friends” ofrece una rara mirada a su lado vulnerable (“¿Cuándo fue la última vez que recordé un cumpleaños?/ ¿Cuándo fue la última vez que no tenía prisa?”), pero simplemente hay demasiadas pistas poco cocidas que no resisten muchas escuchas repetidas. “Es un opus trabajado que desearía ser un mixtape, tratando de curar la vibra de un desorden expansivo”, escribió Rob Sheffield de Rolling Stone, “y eso es porque está hecho por un artista que se siente como un desastre y no le importa esconderlo”. West lanzaría álbumes significativamente peores en los años siguientes, pero ninguno llegó con la sensación de decepción como The Life of Pablo.

42 U2, Songs of Innocence 2014
Aclaremos algo muy importante aquí: Songs of Innocence no merecía ni una pequeña parte del odio y las burlas que absorbió en 2014 cuando U2 tomó la inexplicablemente torpe decisión de subirlo gratis a todos los iPhones del planeta. Si el sencillo “Every Breaking Wave” hubiera salido en 1992, podría haber sido un gran éxito. “Song for Someone” es una hermosa canción de amor para la esposa de Bono, y “The Miracle (of Joey Ramone)” es un sincero homenaje al ícono punk. Y aunque hubieran hecho algo tan perfecto como Achtung Baby o The Joshua Tree en 2014, mucha gente aún habría reaccionado con furia al truco del iPhone. U2 aún puede llenar estadios siempre que salen de gira, pero la mayoría de los jóvenes no tienen mucho interés en ellos. La grandiosidad de la banda simplemente los desanima. Y, lamentablemente, Songs of Innocence no se acerca a los puntos altos de lo mejor de U2. Fue el álbum equivocado en el momento equivocado, y dañó enormemente su marca, injustamente o no. (Nosotros creemos que fue en su mayoría injusto). Y decepcionó a casi todos, excepto a los miembros más fieles del culto de U2.

41 Terence Trent D’Arby, Neither Fish nor Flesh 1989
¿Recuerdas a Terence Trent D’Arby? Si no, escucha sus sencillos “Wishing Well” y “Sign Your Name” de su álbum debut Introducing the Hardline According to Terence Trent D’Arby, y serás transportado a 1987, cuando por un breve momento parecía que D’Arby era una nueva superestrella de talento, comparable a Prince. El éxito instantáneo se le subió a la cabeza de manera absurda, y comenzó a compararse con los Beatles en la prensa. “Hay personas que me hacen sentir como si fuera la persona más arrogante que ha caminado por la faz de la tierra porque soy apasionado”, le dijo a Rolling Stone. “Cuando siento cosas, las siento apasionadamente. Y, para bien o para mal, lo que me hace el artista que soy —y el artista que quiero ser— es esa pasión”. Esa pasión no le sirvió cuando entró al estudio para crear su segundo álbum, Neither Fish nor Flesh. Ninguno de los sencillos conectó, alcanzó el puesto 61 en el Billboard 200, y el breve momento de fama de D’Arby terminó. “Sin yo saberlo, ya había fuerzas oscuras trabajando para alterar mi bendita situación”, escribió el artista, que ahora se llama Sananda Francesco Maitreya, en su sitio web. “Lo lograrían. Este álbum es el que, por necesidad, está más cerca de mi corazón. Este fue mi proyecto ‘fatwa’. Este es en el que Orfeo descendió al inframundo y comenzó su meditación más profunda”.

40 Meat Loaf, Bat Out of Hell III: The Monster Is Loose 2006
Tener grandes expectativas para un nuevo álbum de Meat Loaf en 2006 podría haber parecido una locura, pero igualmente parecía una locura estar emocionado por un nuevo álbum de Meat Loaf en 1993, cuando lanzó Bat Out of Hell II: Back Into Hell, y ese fue uno de los mejores álbumes de regreso en la historia del rock. El entusiasmo inicial alrededor de Bat III era que Meat estaba nuevamente trabajando con el cerebro detrás de Bat I y Bat II, Jim Steinman. Pero resultó que Meat y Steinman estaban en una disputa legal sobre la marca registrada Bat Out of Hell. Steinman también estaba lidiando con problemas de salud significativos en ese momento. Esto significó que Meat tuvo que revisar el catálogo de Steinman y elegir de todo, desde “It’s All Coming Back to Me Now” hasta “In the Land of the Pig, the Butcher Is King”, que fue escrita para un musical de Batman que nunca despegó. El resultado final es un esfuerzo profundamente insatisfactorio, indigno del nombre Bat Out of Hell.

39 Run-D.M.C., Back From Hell 1990
Run-D.M.C. fueron prácticamente intocables en los años ochenta, llevando la música rap desde las calles de Nueva York a los hogares suburbanos de todo Estados Unidos gracias a MTV y éxitos como “It’s Tricky”, “King of Rock”, “My Adidas” y “Walk This Way”. Su LP de 1988, Tougher Than Leather, fue una clara caída desde las alturas de Raising Hell de 1986, ya que nuevos grupos como Public Enemy habían entrado repentinamente en escena, y Run-D.M.C. no sabía muy bien cómo reaccionar. Pero no lanzaron una decepción genuina hasta 1990, cuando intentaron hacer New Jack Swing con letras más crudas, inspiradas en N.W.A, que simplemente no parecían genuinas viniendo del anteriormente impecable trío. “Las obscenidades gratuitas abundan en el disco, y ciertamente no hacen que los nuevos relatos de violencia callejera e injusticia urbana de Run-D.M.C. sean más convincentes”, escribió Mark Coleman de Rolling Stone en una crítica de dos estrellas. “Blandiendo armas y bromeando con policías racistas, Run y D.M.C. bien podrían estar contando la verdad de 1990. Pero en la mayor parte de Back From Hell suenan como actores interpretando roles en lugar de artistas dramatizando sus propias vidas”.

38 The Sugarcubes, Here Today, Tomorrow Next Week! 1989


Cuando los Sugarcubes surgieron en 1988 con su álbum debut, Life’s Too Good, parecían visitantes de otro planeta para la mayoría de los estadounidenses. El término “rock alternativo islandés” no significaba nada en una época en la que Poison, Paula Abdul, Phil Collins y Steve Winwood dominaban las emisoras. Pero la peculiar banda de seis miembros, liderada por la futura estrella solista Björk, era tan innegable que terminaron apareciendo en Saturday Night Live y obtuvieron algunas de las mejores críticas del año. Sin embargo, solo un año después, fracasaron con el lanzamiento de Here Today, Tomorrow Next Week!. El cantante Einar Örn Benediktsson tenía la impresión de que los fanáticos querían escucharlo mucho más a él y mucho menos a Björk. (No era así). Tampoco había una sola canción que pudiera compararse con la majestuosidad de “Birthday” del primer álbum. Continuaron con un álbum más en 1992 hasta que lo inevitable ocurrió y Björk se lanzó como solista, sin mirar atrás.

37 Devo, Shout 1984
Después del enorme éxito de “Whip It” en 1980, Devo podría haber escalado y convertirse en una banda de estadios. Solo necesitaban unos cuantos éxitos más que funcionaran en MTV. En su lugar, se inclinaron fuertemente hacia lo extraño y vieron cómo su audiencia disminuía considerablemente. Pero lo raro fue en su mayoría bastante excelente en New Traditionalists de 1981 y Oh, No! It’s Devo de 1982. No se puede decir lo mismo de Shout de 1984, donde dejaron de lado sus guitarras, sacaron un nuevo sintetizador Fairlight y una caja de ritmos, y crearon un disco devastadoramente aburrido que termina con una versión completamente innecesaria de “Are You Experienced” de Jimi Hendrix Experience. Incluso hoy, Jerry Casale de Devo dice que el disco es “demasiado doloroso para hablar de él”. Y las críticas fueron uniformemente negativas. “Mientras que el empuje y tirón entre la electrónica casera y las guitarras baratas fue una gran parte de lo que hizo tan emocionantes los primeros álbumes de Devo”, escribió Mark Deming de AllMusic, “Shout es tan brillante y pulido que podrías freír un huevo en sus superficies, y eso no es algo bueno”.

36 Fleetwood Mac, Behind the Mask 1990
Contra todo pronóstico, considerando las montañas de cocaína que consumieron y las guerras civiles que libraron, Fleetwood Mac tuvo un buen desempeño en los años ochenta. Pero comenzaron los noventa de manera horrible con Behind the Mask de 1990, el primer álbum que hicieron después de que Lindsey Buckingham dejara la banda justo antes de la gira de Tango in the Night. Rick Vito y Billy Burnette pudieron llenar el vacío en cierta medida en la carretera, pero el estudio fue una historia muy diferente. El peso combinado de sus habilidades de composición no igualaba ni siquiera a un solo Buckingham. No hay una sola canción aquí que pueda compararse con “Big Love”, “Everywhere”, “Little Lies” o “Gypsy”. Hay un puñado de originales de Stevie Nicks y Christine McVie, especialmente “Save Me” y “Skies the Limit”, pero es probable que ninguna de ellas hubiera obtenido la aprobación de Buckingham. Su mera presencia elevaba el nivel de todos. Estaban perdidos sin él.

35 Panic! at the Disco, Pretty.Odd 2008
El primer signo de problemas surgió cuando se supo que Panic! at the Disco estaba eliminando el signo de exclamación. El grupo de emo de Las Vegas solo había hecho un álbum hasta ese momento, A Fever You Can’t Sweat Out de 2005, y ya estaban buscando formas de desprenderse de su pasado y madurar. El segundo signo preocupante surgió cuando la banda comenzó a decir que este disco estaba inspirado en los Beatles, los Beach Boys y las bandas psicodélicas de los sesenta. En otras palabras, no querían escribir nada remotamente parecido a su exitoso sencillo “I Write Sins Not Tragedies”. Un grupo puede volverse extraño en su cuarto o quinto disco, una vez que ya ha establecido una gran y devota audiencia. No puedes hacer eso en tu segundo álbum. El sencillo principal “Nine in the Afternoon” se estancó en el número 51 en el Hot 100, y los demás ni siquiera llegaron a las listas. Cuando el polvo se asentó, el guitarrista Ryan Ross y el bajista Jon Walker dejaron la banda. Los miembros restantes recuperaron el signo de exclamación para el próximo álbum. Dejarlo junto con su sonido característico fue una elección bastante extraña.

34 Black Sabbath, ‘Technical Ecstasy’ 1976

Technical Ecstasy está lejos de ser el peor álbum de Black Sabbath. (Ese llegaría dos décadas después cuando los restos fritos de la banda se unieron con el guitarrista de Body Count, Ernie C, para Forbidden). Y ni siquiera es el peor de la era original de Ozzy Osbourne. (Ese es el tedioso Never Say Die! de 1978). Pero es el primero en el que quedó claro que los dioses del metal que dieron al mundo obras maestras como Black Sabbath, Paranoid, Master of Reality y Sabbath Bloody Sabbath en un tiempo notablemente corto se estaban quedando sin ideas y eran incapaces de adaptarse a un clima musical cambiante. También estaban esnifando montañas de cocaína, distraídos por preocupaciones legales y financieras, e incapaces de ver que las baladas cursis “It’s Alright” y “She’s Gone” no iban a ganar nuevos fans encantados por grupos punk emergentes como The Clash y Sex Pistols. Para tener una idea de dónde salió todo mal, escucha “Rock and Roll Doctor”, que suena como una canción perdida de Kiss. “Tengo que ver a mi doctor de rock and roll”, canta Osbourne. “Tengo que verlo, verlo hoy / Me va a dejar alucinado”. El álbum termina con una nota fuerte con “Dirty Women”, pero el resto es solo relleno que nunca habría pasado el corte para un disco de Black Sabbath un par de años antes.

33 Public Enemy, ‘Muse Sick-n-Hour Mess Age’ 1994

El mismo instante en que Public Enemy apareció en la escena en 1987, todos los grupos de rap anteriores parecían irremediablemente pasados de moda. Y nadie pudo superarlos durante los siguientes años mientras lanzaban It Takes a Nation of Millions to Hold Us Back y Fear of a Black Planet. Pero finalmente tuvieron una competencia real cuando llegó N.W.A, y una gran herida autoinfligida cuando el Profesor Griff hizo públicas sus opiniones antisemitas que lo expulsaron del grupo. Estaban ligeramente pasados de su mejor momento en 1991 cuando salió Apocalypse 91 … The Enemy Strikes Black, pero aún así fue un esfuerzo extraordinario. No mostraron un verdadero declive hasta 1994 cuando llegó Muse Sick-n-Hour Mess Age, y Chuck D lo usó como una plataforma para criticar el gangsta rap. Los críticos no quedaron impresionados. “Muse Sick no solo es un mal disco de PE, sino un mal disco de hip-hop — evidencia de que Chuck o abandonó temprano, dejando el álbum a unas pocas evoluciones de su finalización, o ha perdido su oído por completo”, escribió Touré en una infamemente negativa reseña en Rolling Stone. “Y porque Chuck, un hombre cuyo poder político siempre ha sido una función de su poder estético, es la conciencia del hip-hop, el fracaso de este álbum le costará más que ventas.”

32 Peter Frampton, ‘I’m in You’ 1977

Para ser justos, cualquier cosa que Peter Frampton lanzara después de Frampton Comes Alive! iba a ser vista como una decepción. El álbum de concierto de 1976 fue uno de los discos más grandes de los setenta, e incluso el propio Frampton se cansó de las canciones. “Me moría por escucharme en la radio”, le dijo a Rolling Stone en 2019, “y luego llegó un punto en el que pensé, ‘Ojalá no me pusieran tanto’”. A medida que la manía comenzaba a disminuir, se dirigió al estudio para hacer un álbum propiamente dicho. Y aunque la canción principal alcanzó el número dos en el Billboard Hot 100, el resto del álbum no conectó como Frampton Comes Alive! Para empeorar las cosas, les dio a sus críticos mucha munición cuando posó sin camisa. Mirando hacia atrás en 2019, Frampton dijo que solo tenía a sí mismo para culpar. “[I’m In You] podría haber sido mucho mejor si hubiera estado en un mejor estado mental en ese momento”, dijo, “pero mi cabeza explotó justo antes de entrar al estudio.”

31 MGMT, ‘Congratulations’ 2010

En 2007, los amigos de la universidad Andrew VanWyngarden y Benjamin Goldwasser lanzaron su obra maestra de synth-pop psicodélico Oracular Spectacular, con canciones atemporales como “Kids”, “Time to Pretend” y “Electric Feel”. Y por un momento, parecía que los dioses de la música nos habían dado un nuevo Depeche Mode. Pero en lugar de simplemente repetir la fórmula para el segundo álbum de MGMT, VanWyngarden y Goldwasser se alejaron de los ganchos accesibles y de cualquier cosa que se pareciera a un sencillo, duplicaron su rareza y crearon un álbum de art-rock. “MGMT no está presionando el botón de autodestrucción aquí”, escribió Scott Plagenhoef de Pitchfork, “pero el mejor escenario es que un culto, feliz de deshacerse de los fans oportunistas de OS, esté dispuesto a seguir a estos chicos de idea en idea”. Eso es exactamente lo que pasó, lo que significa que Congratulations probablemente fue el movimiento correcto a largo plazo. Solo les causó mucho dolor a corto plazo.

30 Red Hot Chili Peppers, ‘One Hot Minute’ 1995

En 1994, los Red Hot Chili Peppers y Dave Navarro enfrentaron dos problemas que eran el inverso exacto el uno del otro. Él era un guitarrista sin banda tras la disolución de Jane’s Addiction. Y ellos eran una banda sin guitarrista después de que John Frusciante se retirara durante la gira de su álbum de éxito, Blood Sugar Sex Magik. En teoría, esto era un supergrupo de alt-rock. Pero en realidad, tenían que estar a la altura de la leyenda de ambas bandas. Anthony Kiedis también estaba profundamente sumido en las adicciones a las drogas, y las sesiones se prolongaron durante meses y meses. Surgieron algunas canciones destacadas como “Aeroplane”, pero nada que haga olvidar a los fans “Under the Bridge” o “Mountain Song”. “El shredding metálico de la guitarra de Navarro debería haber añadido algo de peso al funk de guitarra pesada con influencias punk de los Chili Peppers, pero tiende a hacerlo pesado”, escribió Stephen Thomas Erlewine de AllMusic. “One Hot Minute es tan ambicioso musicalmente como Blood Sugar Sex Magik, pero es aún más desenfocado, lo que significa que proporciona las menores emociones de cualquiera de los álbumes del grupo”. Para su próximo álbum, Californication, Frusciante volvió al grupo, y toda la era de One Hot Minute ha sido misericordiosamente olvidada.

29 Pink Floyd, ‘The Final Cut’ 1983

¿Cómo se sigue una serie de álbumes como The Dark Side of the Moon, Wish You Were Here, Animals y The Wall? Si eres el líder de Pink Floyd, Roger Waters, despides al tecladista Richard Wright, insistes en escribir todas las canciones completamente solo, incluso si David Gilmour te ayudó a escribir una pequeña melodía llamada “Comfortably Numb” en el último disco, y ensamblas otro álbum conceptual sobre los males de la guerra y la pérdida de tu padre. Y si esto no enfurece lo suficiente a la banda, lo acreditas como “un réquiem para el sueño de la posguerra por Roger Waters, interpretado por Pink Floyd”, básicamente degradándolos a todos al estatus de banda de acompañamiento. Ahora, todo esto sería algo tolerable si el álbum estuviera a la altura de su mejor trabajo. Pero más allá de unas pocas canciones como “The Gunner’s Dream”, no se acerca. Solo suena como un montón de descartes de The Wall unidos.

28 The Band, ‘Cahoots’ 1971

The Band estaba en una situación difícil cuando comenzaron a trabajar en Cahoots en 1971. Robbie Robertson estaba completamente agotado de nuevas ideas para canciones después de producir Music From Big Pink, The Band y Stage Fright en rápida sucesión entre 1968 y 1970, y muchos de sus compañeros de banda estaban descendiendo rápidamente en adicciones a las drogas que obstaculizarían su productividad durante años. “Life is a Carnival” inicia el álbum con una joya, y su versión de “When I Paint My Masterpiece” de Bob Dylan muestra que nadie era mejor interpretando su música. Pero después de eso, el álbum decae con errores como “Shoot Out in Chinatown”, “Last of the Blacksmiths” y “Volcano” que nunca habrían pasado el corte en sus álbumes anteriores. Las críticas fueron muy mixtas, y no lanzarían otro álbum de material nuevo durante cuatro años.

27 Van Halen, ‘Balance’ 1995

Es tentador creer que Van Halen no sucumbió a la mediocridad hasta que Sammy Hagar se fue y Gary Cherone asumió como cantante principal. Pero esa narrativa requiere borrar su LP de 1995, Balance, de la historia. Desafortunadamente, la profundamente decepcionante continuación de For Unlawful Carnal Knowledge de 1991 realmente existe. No hay nada aquí que siquiera se acerque a los puntos altos de “Poundcake” y “Right Now” del álbum anterior. En cambio, obtenemos las dos cursis canciones de amor “Can’t Stop Lovin’ You” y “Don’t Tell Me (What Love Can Do)” junto con “Amsterdam”, un tributo a la ciudad donde Hagar es libre de fumar marihuana abiertamente. (Letra de muestra: “Tengo un bolsillo lleno de dinero / Me espera una larga noche / Parada rápida en el Bulldog / Consígueme un poco de Panama Red”). Y el álbum comienza con cantos de monjes reales. Todo el álbum está por todas partes, y es una triste evidencia de que Eddie Van Halen se quedó sin ideas.

26 Rod Stewart, ‘Smiler’ 1974

Rod Stewart ha lanzado tanto trabajo de baja calidad a lo largo de los años que es fácil olvidar que sus primeros cuatro álbumes en solitario (An Old Raincoat Won’t Ever Let You Down, Gasoline Alley, Every Picture Tells a Story, Never a Dull Moment) fueron indudablemente brillantes. Y cuando se considera su trabajo con The Faces al mismo tiempo, era seguro suponer que cualquier nuevo lanzamiento de Rod en la tienda de discos estaría a la altura de lo anterior. Esa expectativa terminó para siempre con el lanzamiento de Smiler en 1974. Con las únicas excepciones de una tierna versión de “Girl From the North Country” de Bob Dylan y una animada interpretación de “Sweet Little Rock and Roller”, nada funciona en Smiler. El punto más bajo es una versión de la canción poco conocida de Elton John “Let Me Be Your Car” que es tan tonta como suena. Ni siquiera hablemos de su decisión de rehacer “(You Make Me Feel Like A) Natural Woman” de Carole King como “(You Make Me Feel Like A) Natural Man”. Stewart lanzaría álbumes mucho peores que Smiler a lo largo de su larga carrera, pero nunca uno tan tremendamente decepcionante.

25 George Harrison, ‘Dark Horse’ 1974

Es difícil culpar a George Harrison por no estar en su mejor momento en Dark Horse de 1974. Sufría de laringitis, una creciente adicción a la cocaína y el alcohol, y tenía un tiempo muy limitado para terminar el álbum antes de comenzar su desafortunada primera gira en solitario. También estaba el pequeño detalle de que su mejor amigo, Eric Clapton, acababa de fugarse con su esposa, Pattie Boyd, después de decirle al mundo que no podía vivir sin ella en una pequeña canción llamada “Layla”. Intentó burlarse de la situación rehaciendo “Bye Bye Love” en la sesión mientras Clapton y Boyd observaban (“Espero que ella sea feliz / El viejo Clapper también”), pero el resultado es simplemente un festival de vergüenza. Las cosas no mejoran mucho en canciones lamentablemente mal cocinadas como “So Sad”, “Far East Man” y “Ding Dong, Ding Dong”. Todo esto ocurrió solo un año después de la brillantez de Living in the Material World, y marcó el inicio de un largo período de declive para Harrison que no mejoró realmente hasta que Jeff Lynne entró en su vida más de una década después.

24 John Fogerty, ‘Eye of the Zombie’ 1986

Después de una década en el desierto musical, John Fogerty resurgió con Centerfield en 1985 y ganó una nueva generación de fans gracias a la canción principal con temática de béisbol y la canción al estilo Creedence “The Old Man Down the Road”. Solo un año después, perdió a muchos de esos fans cuando lanzó Eye of the Zombie. La producción grita mediados de los ochenta, y no hay una sola canción o gancho memorable en todo el álbum. “Eye of the Zombie lleva todas las marcas de ser un trabajo apresurado de este notorio perfeccionista del rock & roll”, escribió Stephen Thomas Erlewine para AllMusic. “Pista por pista, es un fracaso de proporciones asombrosas”. Fogerty promocionó el álbum con una gira en la que no tocó ni una sola canción de CCR, lo que significaba que los fans tuvieron que soportar canciones fallidas de Eye of the Zombie como “Soda Pop” y “Wasn’t That a Woman” toda la noche. Todo el proyecto fue un desastre que llevó a Fogerty a tomarse otra década completa fuera del negocio de hacer discos.

23 The Monkees, ‘Justus’ 1996

En algún momento a principios de 1996, Michael Nesmith escuchó la canción principal de Friends y tuvo una idea. “Tuvo la idea de que sonaba exactamente como Headquarters”, dijo Peter Tork a Rolling Stone en 2016. “Simplemente se emocionó y quiso llevarla a cabo, así que me pidió a mí y a Micky [Dolenz] que fuéramos a tocar con él. Fue la primera vez que tocamos juntos así desde 1969”. El trío finalmente incorporó a Davy Jones y grabaron Justus. Como sugiere el título, todo en el álbum fue creado solo por los cuatro miembros de The Monkees. Los fans estaban emocionados con la idea de escuchar un Headquarters para los noventa. Lamentablemente, simplemente no tenían grandes canciones como las de entonces. El álbum fue un completo fracaso, y Nesmith perdió interés en el proyecto después de una rápida gira por el Reino Unido. Pasarían otros 20 años antes de que decidiera participar en otro disco de The Monkees, que resultó ser el brillante Good Times! que borró el desafortunado recuerdo de Justus.

22 Bob Dylan y los Grateful Dead, ‘Dylan & the Dead’ 1989

Parecía una combinación que no podía fallar. Este era el mejor compositor de su generación respaldado por una de las bandas más queridas en la historia de Estados Unidos, justo cuando estaban disfrutando de un gran regreso gracias a su inesperado éxito “Touch of Grey”. Pero Bob Dylan y los Grateful Dead simplemente no congeniaron cuando hicieron una gira juntos en 1987. Este fue Bob en el punto más bajo de su carrera, y tocar una versión dolorosamente lenta de nueve minutos de “Joey” con los Dead no iba a arreglar nada. Los dylanólogos insisten en que la gira fue un poco mejor que las siete canciones seleccionadas para este paquete, lo cual es un alivio. Es difícil imaginar algo peor. “A pesar de la presencia de los Dead, el álbum es un típico álbum de Dylan de finales de los ochenta”, escribió David Fricke de Rolling Stone en una reseña, “fascinante por las expectativas que genera y frustrante en las formas en que sigue fallando”.

21 The Stone Roses, ‘Second Coming’ 1994

The Stone Roses son una de las grandes historias de “qué hubiera pasado si” en la historia del rock. ¿Qué hubiera pasado si el cuarteto de rock alternativo del Reino Unido hubiera hecho una gira por América después del lanzamiento de su impecable debut homónimo de 1989 en lugar de ignorarlo por completo? ¿Qué hubiera pasado si hubieran mantenido sus egos bajo control, dejado las drogas y logrado seguir siendo amigos? ¿Qué hubiera pasado si no hubieran esperado cinco años y medio para lanzar su segundo álbum? ¿Qué hubiera pasado si ese álbum hubiera sido siquiera una cuarta parte de fuerte que su primer disco? Podrían haber sido tan grandes como Oasis o incluso Radiohead si hubieran seguido su camino original y continuado escribiendo canciones al nivel de “I Am the Resurrection” o “I Wanna Be Adored”. En cambio, fueron lo suficientemente arrogantes como para nombrar su segundo LP “Second Coming” como si fueran literalmente Jesús. Para cuando salió, el britpop estaba en pleno apogeo, y no tenían una sola canción en el álbum lo suficientemente fuerte como para hacer que alguien dejara sus álbumes de Blur u Oasis y le diera más de una escucha. Se separaron poco después.

20 Journey, ‘Raised on Radio’ 1986

En el intervalo de tres años entre Frontiers y Raised on Radio, el vocalista de Journey, Steve Perry, se convirtió en una estrella en solitario gracias a “Oh, Sherrie” y “Foolish Heart”. Utilizó su nueva fama para expulsar al bajista Ross Valory y al baterista Steve Smith de la banda. Quería modernizar su sonido trayendo profesionales de sesión, pero el trío restante simplemente no tenía canciones como “Faithfully” o “Open Arms” listas para tocar. El sencillo principal “Be Good to Yourself” tenía algo de la antigua magia de Journey, y “It Could Have Been You” es una joya oculta, pero el resto del álbum es bastante plano. El corazón de Perry simplemente ya no estaba en la música, ni en Journey ni en ningún otro lado, y en gran medida desapareció de la escena en la década siguiente.

19 Patti Smith Group, ‘Radio Ethiopia’ 1976

El álbum debut de Patti Smith en 1975, Horses, fue un triunfo en todos los aspectos posibles, excepto en el éxito comercial. No generó nada que se pareciera a un éxito mainstream y se estancó en el número 47 en el Billboard 200 a pesar de las críticas entusiastas y su enorme influencia en el mundo del rock. Para el siguiente álbum, Smith (y su discográfica) querían un éxito. Por eso eligió al productor de Aerosmith/Cheap Trick, Jack Douglas, para supervisar las sesiones. Pero simplemente no está en su naturaleza escribir una canción como “I Want You to Want Me” o “Walk This Way”. Por eso le dio a Douglas obras vanguardistas como la pista principal de 10 minutos, que nunca alcanza las alturas de “Land”, su canción compañera en Horses. “Pissing in a River” es una de las mejores canciones en el catálogo de Smith, pero el resto del álbum es extremadamente decepcionante. “Smith parece carecer de la dirección necesaria para estar a la altura de sus mejores ideas: la estructura de poema-canción del primer álbum no fue completamente efectiva, pero aquí no hay estructura en absoluto”, escribió Dave Marsh en Rolling Stone. “Incluso su escritura lírica, la parte más cautivadora y pulida de su trabajo, parece despersonalizada: no hay nada tan conmovedor como ‘Redondo Beach’ o ‘Kimberly’ en este álbum. Y si lo hubiera, apenas se podría escuchar en la mezcla abrumadora de Jack Douglas”.

18 Duran Duran, ‘Thank You’ 1995

Duran Duran estaban tan muertos como la música disco cuando comenzaron los años noventa, pero volvieron a la relevancia en 1993 gracias a “Ordinary World” y “Come Undone” del álbum The Wedding Album de 1993. Este era el momento para regresar al estudio y crear otro álbum de originales y capitalizar el impulso inesperado. No era el momento para grabar un álbum de versiones donde todo, desde “Lay Lady Lay” de Bob Dylan y “Watching the Detectives” de Elvis Costello hasta “911 Is a Joke” de Public Enemy y “White Lines” de Grandmaster Flash and the Furious Five, recibiera el tratamiento de Duran Duran. Nadie quería escuchar a Duran Duran intentar hacer hip-hop. El proyecto fue simplemente mal concebido de principio a fin, y terminó prematuramente con su regreso.

17 The Byrds, ‘Byrds’ 1973

Mucho antes de que las reuniones de grandes bandas de rock fueran comunes, los Byrds originales se reunieron para ver si podían recuperar la magia de los primeros días. Era 1973 y todos habían tomado direcciones dramáticamente diferentes en los siete años desde que habían estado juntos, con solo David Crosby convirtiéndose en una verdadera superestrella gracias a Crosby, Stills, Nash y Young. Roger McGuinn, mientras tanto, había liderado muchas formaciones de los Byrds, y estaba listo para llevar la saga de vuelta a donde comenzó. Todo esto tenía sentido en papel, pero los cinco todavía estaban enfocados implacablemente en su trabajo en solitario y otros proyectos externos. El álbum se armó en el transcurso de solo unas pocas semanas, y la mayoría admitió más tarde que se guardaron sus mejores canciones. El resultado es un álbum divagante destacado por un par de decentes versiones de Neil Young (“Cowgirl in the Sand”, “See the Sky About to Rain”), una canción de Joni Mitchell (“For Free”) y una serie de originales que no hicieron que nadie olvidara “Eight Miles High” o “So You Want to be a Rock and Roll Star”. “Estoy obligado a comentar sobre el álbum más decepcionante y uno de los más aburridos del año, Byrds”, escribió Jon Landau en una crítica brutal de Rolling Stone. “En su mejor momento, alguna vez fueron mi banda de rock & roll blanca americana favorita, pero no solo este no es su mejor álbum, apenas son ellos”.

16 Tom Petty and the Heartbreakers, ‘Let Me Up (I’ve Had Enough)’ 1987

Como sugiere el título, Tom Petty and the Heartbreakers estaban agotados en 1987. Habían estado grabando y de gira durante unos doce años seguidos en este punto, y necesitaban desesperadamente un descanso. Pero volvieron al estudio sin el productor de siempre, Jimmy Iovine, y sacaron este álbum mediocre. El sencillo principal “Jammin’ Me” es un esfuerzo fuerte (a pesar de las referencias increíblemente desactualizadas a Vanessa Redgrave y Joe Piscopo) coescrito por Bob Dylan, pero el álbum cae en picada después de eso. Canciones como “All Mixed Up” y “Runaway Trains” no son horribles, pero simplemente no cumplen con los estándares habituales de Petty. Y ninguna de ellas se ve ayudada por la producción cursi de finales de los ochenta. Muy pocas de estas canciones, además de “Jammin’ Me”, se tocaron en vivo nuevamente después de los ochenta, y ninguna apareció en el Greatest Hits de 1993. Sin embargo, el álbum no fue una pérdida total. Convenció a Petty de hacer un gran cambio la próxima vez. El resultado fue Full Moon Fever, el álbum más exitoso de su larga carrera.

15 Elton John, ‘A Single Man’ 1978

El período dorado indiscutible de Elton John abarcó desde Elton John de 1970 hasta Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy de 1975. (Se podría argumentar que hay un buen número de pistas débiles en Caribou de 1974, pero sigue siendo un álbum fuerte en general). Hubo una clara caída en la calidad en Rock of the Westies de 1975 y Blue Moves de 1976, pero el fondo no se cayó hasta A Single Man en 1978. Es el primer álbum sin el letrista Bernie Taupin. Y con todas las disculpas al nuevo colaborador de John, Gary Osborne, él no es Bernie. Ni siquiera se acerca. Para empeorar las cosas, John estaba en una profunda depresión y desesperadamente adicto a la cocaína. Las canciones sufrieron mucho como resultado, con la única excepción del brillante instrumental “Song for Guy”. El resto es simplemente relleno instantáneamente olvidable. “A Single Man demuestra cuán delgada es realmente la línea entre el pop desechable de radio y la música de ascensor”, escribió Stephen Holden de Rolling Stone en una crítica feroz, “y sugiere que, a pesar de todas las quejas públicas de Elton John sobre no ser tomado en serio, lo único que siempre le ha importado es que los éxitos sigan llegando. Que no lo hagan”.

14 Neil Young, ‘Hawks & Doves’ 1980

Entre el primer disco de Buffalo Springfield en 1967 y Rust Never Sleeps en 1979, Neil Young tuvo una de las mejores rachas de brillantez sostenida en la historia del rock. Y luego llegaron los años ochenta. Es un poco injusto criticar a Young por su producción al comienzo de la década, considerando que la gran mayoría de su tiempo lo dedicó a cuidar a su hijo Ben, que nació con parálisis cerebral. Eso explica por qué armó Hawks & Doves en cuestión de días y se basó en gran medida en descartes de los setenta. Son esas canciones (“Little Wing”, “Captain Kennedy”, “This Old Homestead”, “Lost in Space”) las que evitan que Hawks & Doves sea un fiasco total. Pero los originales en el lado dos no solo carecen de vida, sino que también son extrañamente conservadores y patrioteros, reflejando su breve apoyo a Ronald Reagan. El álbum salió días antes de las elecciones de 1980 y fue olvidado casi instantáneamente.

13 Blondie, ‘The Hunter’ 1982

Si Blondie se hubiera separado en 1981 en lugar de 1982, habrían dejado un catálogo absolutamente impecable. Pero siguieron adelante ese año extra y le dieron al mundo The Hunter por obligación contractual. Está claro desde el principio que su corazón no estaba en este desorden sobreproducido de un disco. “Island of Lost Souls” es un intento patético de crear otro “The Tide Is High”, y su tributo a los Beatles “English Boys” es simplemente una vergüenza. “El tono austero y amenazante de este disco sugiere que Blondie ha olvidado cómo divertirse y cómo hacer que otros se diviertan”, escribió Parke Puterbaugh de Rolling Stone. “The Hunter es un álbum de estados de ánimo helados y de otro mundo para los modernos, un espejo que refleja nuestras propias costumbres sociales peculiares y autodestructivas. Al menos, te hará preguntarte hasta qué punto un grupo de pop New Wave puede alejarse de la corriente principal antes de encontrarse completamente fuera de ella”.

12 AC/DC, ‘Flick of the Switch’ 1983

AC/DC tenía muchas razones para ser arrogantes en 1983. No solo habían sobrevivido a la muerte del vocalista Bon Scott en 1980, sino que de alguna manera se habían vuelto aún más populares gracias al nuevo vocalista Brian Johnson. Sus dos primeros álbumes al mando fueron los megaéxitos Back in Black y For Those About to Rock (We Salute You), ambos producidos por Mutt Lange. Para el tercer álbum con Johnson, dejaron a Lange y decidieron producirlo ellos mismos. Esto podría haber funcionado si hubieran tenido otro conjunto de canciones fuertes, pero simplemente no las tenían. También estaban lidiando con el creciente problema de alcoholismo del guitarrista Malcolm Young y los conflictos con el baterista Phil Rudd, quien fue despedido antes de que se terminara el LP. El resultado es un álbum profundamente irregular. “La música de AC/DC siempre ha sido simple, pero aquí suena subdesarrollada e inolvidable”, escribió Steve Huey de AllMusic. “Como quizás lo indique el título original idiota del disco, el completamente genérico I Like to Rock, AC/DC parecía estar quedándose sin ideas a un ritmo alarmante”.

11 Lou Reed, ‘Lou Reed’ 1972

The Velvet Underground no vendió muchos discos ni salió de la escena de clubes, pero sus cuatro álbumes con Lou Reed a la cabeza son diferentes grados de perfección. Y cuando reapareció después de un breve período de inactividad con su debut en solitario en 1972, los fans tenían todas las razones para esperar algo brillante. Pero lo que obtuvieron fue un montón de descartes de Velvet Underground donde Reed estaba inexplicablemente acompañado por Steve Howe y Rick Wakeman de Yes junto con el guitarrista de Elton John, Caleb Quaye. Estos son músicos muy talentosos por derecho propio, pero ridículamente inadecuados para esta tarea en particular. Cuando sumas las horribles decisiones de producción del LP, obtienes un álbum que ni siquiera los aficionados más acérrimos de Reed se molestan en defender. Afortunadamente, el superfán de VU, David Bowie, entró en escena poco después de que este álbum fracasara y lo ayudó a crear Transformer. Básicamente se considera su primer álbum en solitario en este punto. Se le ha dado una segunda oportunidad para el debut real.

10 Michael Jackson, ‘Invincible’ 2001

En el apogeo de la era del pop adolescente, cuando actos como ‘NSync y Backstreet Boys estaban creando canciones de dance-pop directamente del libro de jugadas de Michael Jackson, el propio hombre regresó después de una ausencia de seis años para intentar reclamar su trono con Invincible. Fue el producto de 30 millones de dólares, cinco años y un número absurdo de compositores y productores. Pero aún así sonaba como si una IA hubiera sido encargada de producir canciones de Michael Jackson. No había un momento en el álbum que sonara remotamente fresco u original. En ese sentido, era lo opuesto a Thriller. “No hay alegría ni humor en él, ni sensación de liberación”, escribió Jon Pareles en The New York Times. “Tratando de hacer canciones que vuelvan a dominar el universo mediático, pop que esté a la altura de su fama pasada, el Sr. Jackson no está dispuesto a ser demasiado personal pero no puede escapar de sus cicatrices y ambiciones”. Para empeorar las cosas, el primer sencillo salió solo unas semanas antes del 11 de septiembre. Cuando el álbum salió en octubre, no mucha gente tenía ganas de bailar.

9 Yes, ‘Tales From Topographic Oceans’ 1973

Antes de que los fanáticos del prog tengan un ataque, dejemos algo muy claro: Tales From Topographic Oceans no es un álbum terrible. Tiene momentos muy buenos, especialmente el cierre del álbum “Ritual (Nous Sommes du Soleil)”. Pero siguió a The Yes Album, Fragile y Close to the Edge. Estos son tres de los mejores álbumes en la historia del prog. Yes dio un gran paso atrás con el extenso y desenfocado Tales From Topographic Oceans. Si crees que estamos exagerando, escuchemos al propio Rick Wakeman. “El problema es que Tales tenía muchas buenas melodías y no muchas buenas canciones”, dijo a Rolling Stone en 2019. “[Después de la gira] llamé a una reunión y dije: ‘Lo siento mucho, chicos, pero si esta es la dirección en la que vamos, no puedo ser parte de esto’”.

8 Stevie Wonder, ‘Stevie Wonder’s Journey Through “The Secret Life of Plants”‘ 1973

“Si tuviera un héroe musical, tendría que ser Stevie Wonder,” dijo Barack Obama a Rolling Stone en 2008. “Cuando estaba en ese punto donde empiezas a involucrarte en la música, Stevie tuvo esa racha con Music of My Mind, Talking Book, Fulfillingness’ First Finale e Innervisions, y luego Songs in the Key of Life. Esos son un conjunto de cinco álbumes tan brillantes como los que hemos visto.” Obama se detuvo con Songs in the Key of Life por una buena razón. El siguiente fue Stevie Wonder’s Journey Through “The Secret Life of Plants”, que es la banda sonora de un documental basado en un libro que afirma que las plantas son sensibles y pueden comunicarse entre sí y con los humanos. Evitaremos la veracidad de todo eso y nos centraremos en la música aquí. El sencillo principal “Send One Your Love” tiene la vieja magia de Stevie, pero una canción más típica es “Venus’ Flytrap and the Bug” donde Wonder canta scat sobre sonidos de sintetizador cursis y luego explica a un niño cómo una venus atrapamoscas come insectos. Muchas de las pistas son instrumentales acompañadas de efectos de sonido de la naturaleza, y todo el conjunto se siente notablemente improvisado y un completo desperdicio de su talento.

7 Beach Boys, ‘Smiley Smile’ 1967

Tomado por sí solo, Smiley Smile es un experimento lo-fi encantadoramente extraño que se destaca como uno de los mejores álbumes de los Beach Boys en su vasto catálogo. Pero este fue el seguimiento de Pet Sounds y “Good Vibrations”. Brian Wilson estaba decidido a superar esas dos obras maestras creando una “sinfonía adolescente para Dios” conocida como Smile. Pero estaba lidiando con graves problemas de salud mental en ese momento, y finalmente abandonó el proyecto. Sus compañeros de banda simplemente tomaron las canciones de Wilson y rápidamente crearon versiones rápidas en su estudio casero que carecen del brillo subversivo y exuberante de los originales. En algunos aspectos, es como mirar una Polaroid de la Mona Lisa. Dicho esto, Smiley Smile sigue siendo una experiencia musical maravillosa ya que las canciones subyacentes son tan fuertes. Pero es una pálida imitación del verdadero negocio, como los fanáticos aprendieron cuando las cintas originales de Smile se filtraron lentamente como bootlegs antes de que Wilson finalmente terminara el proyecto en 2004. “Hicimos un toque”, dijo Carl Wilson, “en lugar de un jonrón”.

6 Bruce Springsteen, ‘Human Touch’ 1992

Al comienzo de los años noventa, Bruce Springsteen despidió a la E Street Band, se mudó a Los Ángeles y tuvo su primer hijo con su esposa Patti Scialfa. También comenzó a grabar canciones con profesionales de sesión como el baterista Jeff Porcaro y el bajista Randy Jackson, que reflejaban su nueva felicidad doméstica. Algunas de ellas fueron bastante excelentes, como “Human Touch” y “Real World”, pero otras estaban entre las peores que había considerado dignas de lanzamiento, como “Man’s Job” y “The Long Goodbye”. Y la producción estaba dolorosamente desactualizada en general. Lanzó Human Touch el mismo día que Lucky Town, un álbum ligeramente superior, y recibió las peores críticas de su carrera. Los álbumes inicialmente se vendieron bien, pero había montones de ellos en las tiendas de CDs usados solo unos meses después. Por primera vez en su carrera, falló. Cuando fue incluido en el Salón de la Fama del Rock & Roll en 1998, lo reconoció con su típica franqueza. “Ahora mi papá, él falleció este año, pero tengo que agradecerle porque — ¿sobre qué habría escrito sin él?” dijo. “Quiero decir, puedes imaginar que si todo hubiera ido genial entre nosotros, habríamos tenido un desastre. Habría escrito solo canciones felices — y lo intenté a principios de los noventa, y no funcionó. Al público no le gustó.”

5 Guns N’ Roses, ‘Chinese Democracy’ 2008

En retrospectiva, era un poco loco esperar algo espectacular de Guns N’ Roses para cuando Chinese Democracy llegó a las tiendas en noviembre de 2008. Para ese momento, la banda había sido solo Axl Rose y músicos contratados durante más de una década. Su canción de 1999 “Oh My God” de la banda sonora de End of Days fue profundamente poco emocionante, y todos habíamos leído los informes de las interminables y ridículamente costosas sesiones de Chinese Democracy. Pero aún esperábamos que Axl hubiera pasado todos esos años puliendo su obra maestra y que el resultado final demostrara que todos los escépticos estaban equivocados. Eso no sucedió. A pesar de un puñado de canciones fuertes como “Better”, “There Was a Time” y “Prostitute”, el álbum está ridículamente sobrecargado. La banda parcialmente reunida les dio nueva vida a muchas de ellas en la gira de reunión aproximadamente una década después, pero Chinese Democracy en sí sigue siendo una profunda decepción. Y el triste hecho de que no hayan ofrecido nada nuevo desde que salió, aparte de versiones rehechas de Chinese Democracy, es aún más decepcionante.

4 David Bowie, ‘Tonight’ 1984

Después del gran éxito de Let’s Dance en 1983 y una racha de 13 años de casi perfección antes de ese álbum, parecía que David Bowie era incapaz de crear un mal disco. Demostró que esa teoría estaba equivocada solo un año después al lanzar el torpe Tonight. El sencillo principal “Blue Jean” tiene cierto encanto, y “Loving the Alien” es el Bowie extraterrestre de siempre, pero el resto es sorprendentemente inepto, incluso su dúo con Tina Turner en la canción de Iggy Pop de 1977 “Tonight”. Las cosas tocan fondo con una remake sin sentido de “God Only Knows” de los Beach Boys. Extrañamente, hay muy pocas canciones nuevas de Bowie, y una gran cantidad de viejas canciones de Iggy que no necesitaban ser modernizadas para los años ochenta. Todo el álbum se siente extrañamente apresurado. El fiasco destruyó casi todo el impulso que había ganado con Let’s Dance. Pasaría mucho, mucho tiempo antes de que lo recuperara.

3 Bob Dylan, ‘Self Portrait’ 1970

Poco después de escuchar Self Portrait de Bob Dylan por primera vez, el crítico de Rolling Stone, Greil Marcus, escribió la entrada más famosa de una reseña en la historia de la crítica de rock: “¿Qué es esta mierda?” Estaba respondiendo a una extraña mezcolanza de versiones, cortes en vivo y originales adornados con cuerdas y coros que componen el álbum. En 1984, el notoriamente poco confiable Dylan afirmó que lo hizo mal a propósito para alienar a sus fanáticos y ganarse algo de paz. “Quiero hacer algo que no les pueda gustar, con lo que no se puedan relacionar,” dijo. “Lo verán, lo escucharán y dirán, ‘Bueno, pasemos a la siguiente persona.’” El box set de 2018 Another Self Portrait demostró que en realidad grabó mucha buena música en ese momento, lo que llevó a una ligera reevaluación del álbum original. Pero en comparación con la producción de Dylan en los años sesenta que lo precedió, Self Portrait seguía siendo una gran decepción.

2 The Rolling Stones, ‘Their Satanic Majesties Request’ 1967

Cerca del apogeo del movimiento psicodélico, meses después de que los Beatles sorprendieran al mundo con Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, los Rolling Stones lanzaron Their Satanic Majesties Request. Es un álbum tremendamente ambicioso donde utilizan mellotrones, cuerdas y ritmos africanos en un intento fallido de superar a sus competidores en psicodelia. Hay momentos muy fuertes como “She’s a Rainbow”, pero también otros dolorosamente sentimentales como la canción de apertura del álbum “Sing This All Together” que se desvanecen de la memoria segundos después de que terminan. El álbum tiene algunos defensores apasionados, pero ningún fan serio argumenta que es siquiera una fracción tan brillante como los primeros sencillos del grupo o el trabajo que siguió durante la próxima década. “No es muy bueno,” dijo Mick Jagger a Rolling Stone en 1995. “Es una experiencia sonora, realmente, más que una experiencia de canciones. Hay dos buenas canciones en él: ‘She’s a Rainbow’ y ‘2000 Light Years From Home’. El resto es una tontería… Creo que estábamos tomando demasiado ácido.”

1 John Lennon, ‘Some Time in New York City’ 1972

Cuando John Lennon se mudó a la ciudad de Nueva York en 1971, se sumergió en el movimiento contra la guerra y se hizo amigo de radicales contraculturales como Abbie Hoffman y Jerry Rubin. No pasó mucho tiempo antes de que la administración de Nixon intentara deportarlo. Mientras luchaba por permanecer en el país, escribió canciones como “Attica State”, “John Sinclair” y “Sunday Bloody Sunday” que reflejaban la política explosiva del momento. Pero estaban a medio hacer, en el mejor de los casos, y parecían anticuadas casi de inmediato. Escuchar Some Time in New York City hoy en día, es casi imposible creer que sus dos álbumes anteriores fueran Plastic Ono Band e Imagine. Ambos álbumes son obras maestras atemporales. Some Time in New York City es tan desechable como los periódicos en la portada. Se recuperó con Mind Games en 1973, dejando a Some Time in New York City como poco más que una desafortunada cápsula del tiempo de una época problemática.

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